Ever Young. James Barnor

Ever Young

James Barnor

Una exposición itinerante de Autograph comisariada por Renée Mussai. Desarrollada con el apoyo del Arts Council England. Investigación y desarrollo originales con el apoyo de la Heritage Lottery Fund.

Exposición presentada y organizada por Casa África bajo la dirección artística de Sandra Maunac.

El fotógrafo ghanés James Barnor, que este año cumplirá 91, lleva practicado el oficio de la fotografía desde hace más de seis décadas, cubriendo todos los géneros posibles: desde el retrato en estudio o en la calle hasta reportajes encargados por la prensa —por lo que es considerado el primer fotoperiodista de Ghana—, trabajando para la publicidad, componiendo imágenes de moda para la revista sudafricana Drum o abriendo el primer laboratorio de fotografía en color en su país. Adentrarnos en su obra es por tanto sumergirnos en una línea del tiempo sorprendentemente larga y fructífera con el remarcable añadido de unir varios continentes.

Las fotos de James, muy lejos de las imágenes cliché de las décadas de 1950 hasta la de 1970, revelan tanto de lo que ocurre en el continente africano como en una metrópoli como Londres. En el primer caso, nos muestran el auge de una nación caminando hasta su independencia y en el otro el despertar de una ciudad multicultural. En ambos, lo que atraviesa las imágenes de James es una mirada de una manifiesta modernidad, adelantado a su tiempo. Las nociones de raza, de identidad diferenciada, de encasillamiento en un punto, son totalmente ajenas a este singular «mago» para quien el cruce, la diversidad o los caminos no lineales son los elementos constituyentes más importantes de una vida que busca y logra ser cosmopolita.

En cada una de sus tomas —sean de interior, de exterior, posado o capturado en plena acción— resalta una vitalidad que aún se hace patente en este hombre que, casi de forma premonitoria, decidió llamar a su estudio «Ever Young» (siempre joven), abierto en 1953 y que acabará convirtiéndose en uno de los más importantes de Ghana en su época.

Esa frescura, de una juventud que parece no apagarse, resalta en estas imágenes que forman parte de una obra aún inexplorada en su totalidad y, aunque tardío, suponen un merecido reconocimiento a su autor. La obra de un gran creador de imágenes, inédito hasta el momento en España, que nos cuenta tanto sobre la transformación del continente como de la importancia del rol del fotógrafo testigo y actor de su tiempo, nos llega hoy aquí gracias al gran trabajo de archivo de Autograph y en particular al de la comisaria de esta exposición itinerante Renée Mussai.

Sandra Maunac

+ info

Casa África
www.casafrica.es
Autograph
www.autographabp-iadl.co.uk

Obra

James Barnor, Ginger Nyarku, featherweight boxer with Coronation Belt, Accra, 1953. Courtesy of the artist and Autograph, London. © James Barnor

James Barnor, Drum cover girl Erlin Ibreck, London, 1966. Courtesy of the artist and Autograph, London © James Barnor

James Barnor, Mike Eghan at Piccadilly Circus, London, 1967. Courtesy of the artist © James Barnor

James Barnor, Drum cover girl Selby Thompson, London, 1967. Courtesy of the artist and Autograph, London. © James Barnor

James Barnor, Policewoman #10 Selina Opong, Ever Young Studio, Accra,1954. Courtesy of the artist and Autograph, London.

James Barnor, Drum cover girl Marie Hallowi, Rochester, Kent, 1966. Courtesy of the artist and Autograph, London.© James Barnor

James Barnor, Eva, London, 1965. Courtesy of the artist and Autograph, London.© James Barnor

Exposición

Una exposición itinerante de Autograph comisariada por Renée Mussai.Desarrollada con el apoyo del Arts Council England. Investigación y desarrollo originales con el apoyo de la Heritage Lottery Fund

Exposición presentada y organizada por Casa África bajo la dirección artística de Sandra Maunac del 14 de febrero al 30 de abril 2020.

Vídeo

II Trobades Albert Camus

II Trobades Albert Camus 2019

II Trobades Mediterrànies Albert Camus, Menorca

Dirección y contenidos

Las II Trobades Mediterrànies Albert Camus volvieron en abril de 2019 a convertir Menorca en puerto de acogida y proyección del pensamiento mediterráneo.

Esta segunda edición «Bajo el signo de Prometeo. Los caminos de la rebeldía» quiso abordar la cuestión de la rebeldía, uno de los conceptos clave de la reflexión de Camus, para alzar un grito compartido e intentar no «rehacer el mundo», sino «impedir que se deshaga» restituido el concepto de rebeldía camusiana a la ciudadanía contemporánea.

El objetivo no fue tanto comprender en profundidad la obra de El hombre rebelde, sino trazar los caminos de unas rebeldías que fuesen constructivas y lograr así un momento de creación positiva para aportar a nuestras realidades nuevas orientaciones.

Al igual que en 2017, esta segunda edición mantuvo el formato de tres días de debate en los que participaron un total de 28 ponentes internacionales provenientes de más de 11 países diferentes. Una edición claramente más internacional que nunca.

Así, no solo estuvieron presentes camusianos, sino también escritores tales como Erri de Luca (Italia), Cristina Morales (España), Tahar Ben Jelloun (Marruecos), Haifa Zangana (Irak) y Luis García Montero (España); pensadores como Elias Sanbar (Palestina), François Cheval (Francia) y Pedro Olalla (España); cineastas como Amos Gitai (Israel) o Jihan El Tahri (Líbano, Egipto); artistas como Alfredo Jaar (Chile), Zineb Sedira (Argelia), Isabel Muñoz (España), Jacques Ferrandez (Francia); y periodistas como Edwy Plenel (Francia), Bernard Guetta (Francia), Olga Rodríguez (España) y Lluís Foix (España).

Un cruce, sin duda, fértil entre las orillas de nuestro mar, entre generaciones, entre diferentes disciplinas artísticas, en busca de un Mediterráneo que trasciende lo geográfico para instalarse en nosotros como espacio de entendimiento, intercambio, convivencia y creación.

Tres días que fueron muy intensos, pero que sobre todo nos permitieron adentrarnos en los caminos de nuestra rebeldía para intentar encontrar, como lo hizo Camus, un «verano invencible».

Programa

Jueves 25.04.2019. «La rebeldía nace del espectáculo de la insensatez»
Apertura de los Encuentros
 

«Del caos a la reconstrucción» Erri de Luca y Cristina Morales

Visita y clausura de la exposición La antropología de los sentimientos, de Isabel Muñoz
 

Viernes 26.04.2019. «Su impulso ciego reclama orden en medio del caos»

 

Sábado 27.04.2019 «Incluso en la destrucción hay un orden, hay limites»

Vídeo

https://www.youtube.com/watch?v=N4re5VZlb6g

Premi Mediterrani Albert Camus

Premi Mediterrani Albert Camus

Premi Mediterrani Albert Camus 2018, Menorca

Dirección y contenidos

Tras la celebración de las primeras Trobades Mediterrànies Albert Camus en la primavera de 2017, el Premi Mediterrani Albert Camus nace para prolongar la proyección de Menorca como punto de encuentro y referente internacional de una cultura que trabaja por la paz y el Mediterráneo.

Con este premio se mantiene un hilo conductor entre los encuentros literarios y el reconocimiento de un creador comprometido con la defensa de la cultura mediterránea, como lo fue Albert Camus, Hoy en día sus convicciones y luchas son más que nunca necesarias para comprender el mundo que nos rodea. Así, otorgando el premio a creadores contemporáneos comprometidos queremos que vuelva a brillar el pensamiento camusiano.

En 2018, el primer Premi Mediterrani Albert Camus se otorgó a Mona Hatoum, artista nacida en Beirut en el seno de una familia palestina y que vive en el Reino Unido desde 1975.

El jurado internacional, integrado por el escritor marroquí Tahar Ben Jelloun; Juan Manuel Bonet, actual director del Instituto Cervantes; la catedrática de filosofía Victoria Camps; Josep Ramoneda periodista y director de la Escuela de Humanidades de Barcelona; y la presidenta de la Sociedad de Estudios Camusianos, Agnès Spiquel, ha elegido por unanimidad a Hatoum por el conjunto de su trayectoria artística y vital y su relevancia para interrogarnos sobre las sociedades mediterráneas contemporáneas.

Tras la deliberación final, el presidente del jurado, Juan Manuel Bonet, procedió a la lectura del fallo en la rueda de prensa celebrada el 28 de abril de 2018 en la Sala Polivalent Albert Camus:

«Mona Hatoum, desde un imaginario fecundo y audaz trabaja sobre la materia de la vida cotidiana, la transforma y la reinventa en un universo que nos cautiva y nos interroga. Es mediterránea y ser mediterránea es una manera de estar en el mundo. El desplazamiento y el exilio tejen la tela de una memoria herida y exigente. Su obra, inscrita en la tradición minimalista, va más allá, hacia una poesía indómita. Albert Camus, el hombre rebelde, se definía ante todo como un artista.»

El 1 de junio de 2018 tuvo lugar la ceremonia de entrega del Premio en la Sala Polivalent Albert Camus en el que la galardonada hizo una presentación de toda su carrera artística, desde su primeros videos realizados en los años 80 hasta sus últimas instalaciones producidas en 2017.

La artista Mona Hatoum recibió el galardón realizado por la artista afincada en Menorca Nuria Román.

Programa

27/28.04.2018
Deliberación jurado
Conferencia de prensa anuncio del premiado

 

01.06. 2018 Ceremonia de entrega del Premio

Vídeo

Lianzhou Foto

Lianzhou foto. Your Selfie stick (and you)

Festival Internacional de fotografía

Comisariado

Comisaria invitada de la exposición temática «Your Selfie Stick (and You).»

9 artistas seleccionados: #Everyday Africa, #Eyes On China, Carlos Paris (Venezuela), Heba Khalifa (Egipto), Jacob Burge (GB), Mark Page (GB), Nación Rotonda (España), Oscar Monzón (España), Yuki Naito (Japón)

Vivimos en una cultura digital que ha transformado completamente nuestros hábitos visuales. Asistimos y participamos de la masificación de la representación del yo —antes reservada a unos pocos— ya que estas escenificaciones son la única manera de imponernos en este mundo de competencia visual. Pero frente a esta sobreexposición de imágenes cabe preguntarnos dónde se sitúa el creador de imágenes.

Si antes el fotógrafo salía a la captura de la realidad que lo rodea, hoy en día muchos deciden sumergirse en la red para, desde ahí, construir sus ficciones documentales (Mark Page). Esta malla fértil e inagotable, al tiempo que accesible a todos, es una herramienta más para visibilizar determinadas situaciones. La diferencia reside en la manipulación de los elementos extraídos de Internet, fuera del orden establecido. Pequeñas subversiones, pequeños guiños e intersticios permiten denunciar ciertas posiciones e impulsar nuestros interrogantes (Carlos París), si bien todas esas subversiones advierten que las fronteras se han desvanecido por completo, que ya no hay privado ni público, verdadero o falso, sino que todo forma parte del todo.

En esta era de la democratización de la imagen, las redes sociales y sus potencialidades comunicativas están jugando un papel fundamental. La aparición de plataformas como Facebook e Instragram han transformado no sólo nuestra forma de comunicarnos, sino que también han impulsado la posibilidad de modificar el imaginario que podríamos tener sobre todo un continente o sobre un país entero (#EverydayAfrica #EyesOnChina). Son instrumentos abiertos a todos —sin distinción de género, raza, condición social o cultural—, que permiten abrir puertas, dar voz y, aún más importante, empoderar (Heba Khalifa).

A través de estos diferentes artefactos o en referencia a ellos, los creadores contemporáneos fabrican sus historias particulares y diversas, pero desde el tono común y compartido de la crítica. El análisis y la puesta en entredicho del propio autor, del tiempo que le ha tocado vivir y la propia interrogación del medio fotográfico son las premisas fundamentales para arrancar cualquier proyecto. No descubrimos, por tanto, situaciones o historias nuevas, sino que las podemos mirar con otros ojos y reconstruir una reaparición de las mismas.

Las cuestionamientos que se nos plantean no se presentan de forma panfletaria o retórica. Por el contrario, los creadores actuales, conscientes de la responsabilidad de no presentar un relato totalizador, deciden hacer uso de múltiples estrategias. La imagen fija aislada no es suficiente; es necesario acompañarla, añadir siempre una capa más.

Así, el uso del texto es fundamental. Las palabras no remplazan a las imágenes, son ellas mismas imágenes, formas visibles que aportan otro elemento necesario al conjunto. El diseño es otra estrategia que funciona como una capa más. La repetición lineal de un mismo signo acentúa la crítica a la era de la hiperrealidad a la que hemos llegado, contaminando los paisajes en los que vivimos y a los que ya no sabemos mirar (Oscar Monzón). Otras veces ayuda a percibir mejor el control impuesto sobre nuestras sociedades y la obtención de información sin nuestro consentimiento (Jacob Burge). En esta era digital la mano del hombre con sus matices y originalidad frente a la maquina y las formulas matemáticas pretende aportar fragilidad y evanescencia con recursos como el dibujo, la pintura o el collage. Los pigmentos de una pared también potencian la vibración de la dualidad veracidad-ficción. En otras ocasiones, el recurso a la ironía y a la sátira, siempre desde la humildad, nos hacen ver la necesidad imperiosa de reírnos de nosotros mismos (Nación Rotonda). Toda esta puesta en escena de detalles heterogéneos se acompañan de una feroz voluntad: la de activar algo en el espectador, que el click sea emancipatorio.

A través del acto fotográfico desacralizado y heterogéneo se va conformando un conjunto de fragmentos de una intensa fragilidad poética. El uso de imágenes realizadas desde o a través de las pantallas y la transmisión de imágenes banales de forma instantánea, acompañadas de otros elementos, es una estrategia utilizada para plantear la vulnerabilidad del mundo que nos rodea al tiempo que la necesidad de afirmar su presencia y de inscribirse en la comunidad. El objetivo es conseguir transitar del yo al nosotros (Yuki Naito).

El fotógrafo se alista de esta manera en el acto de compartir. Las imágenes no son para uno sólo, no están únicamente en sus manos. El espectador es otro contenedor, porque el mensaje está en circulación, se impulsa para que el sistema sea dinámico. Todos se convierten así en sujetos. No se trata de alzar el palo hacia sí mismos, sino de despertar el “y tu”, con la voluntad de ir hacia el otro.

+ Descargar Dossier de Prensa

Obra

Exposición

Exposición del 2 de diciembre al 31 de diciembre de 2017

La Même Indifférence. Borja Larrondo y Diego Sánchez

La même indifférence. Orcasur (Esp) / La Courneuve (Fr)

Borja Larrondo & Diego Sánchez

Comisariado

El proyecto Aquellos Que Esperan, de los fotógrafos Diego Sánchez y Borja Larrondo, indaga sobre situaciones de la vida diaria en barrios periféricos basados en modelos arquitectónicos modernos y reflexiona sobre la influencia del urbanismo en la sociedad y su desarrollo, mostrando cómo condiciona la construcción identitaria de sus habitantes.

Esta exposición es una puesta en paralelo de Orcasur (Madrid) y de La Courneuve (París), donde, pese a las evidentes diferencias; se muestran las similitudes de dos lugares con historias distintas. No busca recoger la verdad sobre estos espacios urbanos, sino conformar una amalgama de fragmentos cuya lectura debe hacerse en su globalidad: ahí reside su fuerza. El ensamblaje es el que permite intuir qué camino interpretativo podemos tomar o cuál es al que han llegado los autores.

Es un recorrido a través del que Borja Larrondo y Diego Sánchez comparten sus múltiples estrategias y sus propios cuestionamientos analíticos, la reproducción de un camino no lineal que se inició hace ya cinco años. Presentan sus vivencias, sus descubrimientos y dan voz a sus numerosas colaboraciones sobre unos barrios cargados de otros imaginarios difíciles de demoler. Un viaje enrevesado y fértil que únicamente puede ser redibujado haciendo uso de herramientas heterogéneas, donde la imagen fija es indudablemente insuficiente.

Aquí no hay un ellos y un nosotros. La distinción entre Orcasur y La Courneuve se diluye y la figura de Borja y Diego pasa a formar parte anónima de esos espacios. La función del autor contemporáneo, como ellos también la entienden, no es estar por encima, designando una realidad. La humildad de estas imágenes subraya sus planteamientos, pero también su voluntad inclusiva, siempre desde la fragilidad y la consciencia de lo que significa construir una imagen.

En 2016 el proyecto expositivo fue presentado en el marco del Festival Circulation(s) 2016, del 26 de marzo 2016  al 07 de agosto 2016 en el Centquatre -104 París. Un proyecto realizado con el apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y producido por el Festival Circulation(s) 2016.

En 2017 el proyecto se ha incluido en el programa Tandem Madrid-París 2017 y se ha presentado en la tercera planta de CentroCentro, Madrid.

Obra

Exposición

Exposición realizada en el marco del Tándem París-Madrid del 19 de octubre de 2017 al 14 de enero del 2018, en CentroCentro.

Comisariado a cargo de Sandra Maunac, con la colaboración de Koln Studio (Daniel Fuente & Pablo Mariné) y la plataforma Urbiquity (Stefano Carnelli, Pablo Conejo y Mattias Malk).
Producido por CentroCentro

 

Exposición realizada en el marco del Festival Circulation(s) 2016, del 26 de marzo 2016  al 07 de agosto 2016 en el Centquatre -104 París.
Comisariado a cargo de Sandra Maunac, con la colaboración de Koln Studio Daniel Fuente & Pablo Mariné.

Artistas en residencia del Festival Circulation(s) 2016 y del Centquatre-104 París.

Publicación

En el marco de la exposición presentada en el Festival Circulation (s) se publicó un catálogo-publicación que recoge una selección de las dos fases del proyecto.

ISBN 978-84-608-6672-5
Autopublicación, 2016.
Edición: AQE
Texto: Sandra Maunac
Diseño: Köln St.
Impresión: Brizzolis Artes Gráficas
Con la colaboración del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

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